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Luke painter | moving images | ....29 aug – 5 oct, 2024.. 29 août – 5 oct 2024....

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In Moving Images Luke Painter continues his ongoing practice of demystifying, while simultaneously exploiting, the mysterious allure of images. With direct reference to both the technical mechanisms of moving image production and his own feelings about working from found images, Painter presents a series of compositions –found, altered, and reconstructed– that draw from the tropes of film, theatre, fashion, and animation. 

Behind each work is an intuitive process of image selection. Allowing himself to be guided by their emotive qualities, Painter tends to sit on his references, for months, sometimes even years, before finding a way to integrate them into his work. The four pieces in the Scenography series, for example, are grounded in a long-standing, overarching interest in set design that has surfaced in his practice before. Taking their cue from theatre sets designed by eccentric architects, these works are the result of minimal intervention on Painter’s part  –mostly consisting of a creative colouration– which has the effect of amplifying the style of their original creators. In both their form and content, they address architecture’s reputation for refusing to play a secondary role, engaging with the classic conflict between creative ego and practical application. Each piece conveys a tension between presence and absence and addresses theatrical tropes of anticipation and dramatic effect. The stages in Scenography invite us to walk up their stairs, rest under their archways, and disappear through their portals.

Hermes Sample Sale and Magic Show expands on the concept of set design as sculpture with a sense of humour that is prevalent in some of Painter’s more absurd and well-known image constructions. The iconic buckles, chains, and patterns of a well-known luxury brand become the central elements of a ludicrous, but undeniably gorgeous, scene where scale, gravity, and depth have lost their logic in favour of the absurd. In true form, Painter both challenges and exploits our attraction to beauty, playing on our desires and indulgences through a truly opulent representation of colour, texture, and form. This magic show reveals all its tricks, and yet, we are still in awe of its showmanship.

Similarly, Squash, Stretch, Splash breaks down one of the fundamental elements of animation.  The “Squash and Stretch” is an animator’s tool for improving lifelikeness through a contrasting change of shape, from squashed to stretched or vice versa, to make a stiff object appear supple. By presenting a frame-by-frame illustration of two classic motion studies –the bouncing ball and hydrodynamics, or the study of water in motion– Painter’s subject becomes the mechanics of production. The only reference to painting in this work is a hint at perspective in the blue “sky” above and the parquet floor below which, notably, maintains a single vanishing point across all five frames. Bringing to mind early motion and slow-motion studies as precursors to the “motion picture”, Squash, Stretch, Splash behaves as much as a diagram as it does a surreal action scene.

Set up as frames for activation through the presence of a viewer, the works in Moving Images collectively succeed in foregrounding the background and enticing us towards an exercise in breaking the fourth wall. Instead of hiding his sources, Painter places them in plain view, altering only their context and material. In this way, the exhibition culminates in the video work Modern Wande and Decken Dekoration which functions not only as a chance to display its author’s database of found pattern, but as a tool for anchoring Painter’s practice in a larger project that interrogates the borders between sampling, borrowing, appropriating, and fetishizing the found image.

— Alex Bowron

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Dans Moving Images, Luke Painter poursuit sa pratique continue par laquelle il démystifie et exploite simultanément le charme obscur des images. En faisant directement référence aux mécanismes techniques de production d’images en mouvement ainsi qu’à ses propres sentiments à l’égard du travail qu'il réalise à partir d’images trouvées, Painter présente une série de compositions. Modifiées et reconstruites, ces dernières sont tirées des tropes du cinéma, du théâtre, de la mode et de l’animation.

Derrière chaque œuvre se cache un processus intuitif de sélection d’images. Se laissant guider par leur nature émotionnelle, Painter tend à laisser en plan ses références pendant des mois, voire des années, avant de trouver un moyen de les intégrer à son travail. Les quatre pièces de la série Scenography, notamment, sont ancrées dans l’intérêt général qu’il porte depuis longtemps à la scénographie, technique ayant auparavant fait surface dans le cadre de sa pratique. Inspirées de décors de théâtre conçus par des architectes excentriques, ces œuvres sont le résultat d’une intervention minimale de la part de Painter – consistant principalement en une coloration créative –, ce qui a pour effet d’amplifier le style de leurs créateurs d’origine. Dans leur forme comme dans leur contenu, elles évoquent cette réputation propre à l’architecture de refuser de jouer un rôle secondaire, s’engageant ainsi dans le conflit classique entre l’ego créatif et l’application pratique. Chaque pièce témoigne d’une tension entre présence et absence, et aborde les tropes théâtraux de l’anticipation et de l’effet dramatique. Les tableaux de Scenography nous invitent à gravir leurs escaliers, à nous reposer sous leurs arcades, et à disparaître à travers leurs portails.

Empreinte d’un humour qui prévaut dans certaines des constructions d’images les plus absurdes et les plus connues de Painter, Hermes Sample Sale and Magic Show explore le concept de scénographie en tant que sculpture. Les boucles, chaînes et motifs iconiques d’une marque de luxe renommée deviennent les éléments centraux d’une scène ridicule, mais indéniablement magnifique, où l’échelle, la gravité et la profondeur ont perdu leur logique au profit de l’absurde. Fidèle à lui-même, Painter défie et exploite notre attrait pour la beauté, tout en jouant sur nos désirs et nos indulgences par le truchement d’une représentation véritablement opulente de la couleur, de la texture et de la forme. Même si ce spectacle de magie dévoile tous ses tours, le public demeure émerveillé par sa mise en scène.

Dans le même ordre d’idées, Squash, Stretch, Splash décompose l’un des éléments fondamentaux de l’animation. Le « Squash and Stretch » est un outil permettant d’accentuer le caractère vivant d’un objet en apparence rigide par un changement de forme contrasté, de l’écrasé à l’étiré ou vice versa, afin de lui conférer de la souplesse. En présentant une illustration image par image de deux études de mouvement classiques — la balle rebondissante et l’hydrodynamique, ou l’étude de l’eau en mouvement –, ​​le sujet de Painter devient la mécanique de la production. La seule référence à la peinture dans cette œuvre est l’allusion à la perspective dans le « ciel » bleu au-dessus et sur le plancher en marqueterie au-dessous qui maintient, de manière remarquable, un point de fuite unique sur les cinq images. En évoquant les premières études de mouvement et de ralenti en tant que précurseurs du « film », Squash, Stretch, Splash se comporte à la fois comme un diagramme et comme une scène d’action surréaliste.

Conçues comme des images qui s’activent grâce à la présence du spectateur, les œuvres de Moving Images réussissent collectivement à mettre en avant l’arrière-plan, tout en incitant le public à briser le quatrième mur. Plutôt que de dissimuler ses sources, Painter les expose au grand jour, en modifiant uniquement leur contexte et leur matériau. L’exposition culmine avec l’œuvre vidéo Modern Wande and Decken Dekoration, qui constitue non seulement une occasion pour l'auteur de dévoiler sa base de données de combinaisons de motifs trouvés, mais également un outil pour ancrer la pratique de Painter dans un projet plus vaste, visant à sonder les frontières entre l’échantillonnage, l’emprunt, l’appropriation et la fétichisation de l’image trouvée.

– Alex Bowron (traduction par Marie-France Thibault)

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Luke Painter’s practice explores a wide range of historical and contemporary subjects in relation to pattern, ornamentation, technology and his own personal history.  He creates atmospheric, fictional spaces that sample and purposely reimagine these subjects in surreal, humorous and narrative ways. His work has been shown in numerous local and international exhibitions including Ways of Something at the Whitney Museum of American Art, Five Years of Contemporary Canadian Drawing at the Art Gallery of Sudbury, Personal Space at Patel Brown in Toronto, Modern Wand at Cambridge Galleries and The Teasers and the Tormentors at Centre CLARK Montreal.  Luke has received grants from Canada Council for the Arts, the Ontario Arts Council and the Toronto Arts Council and was nominated for the K.M. Hunter Award in the Visual Arts through the Ontario Arts Council. His work has been reviewed by Canadian Art, Border Crossings, The Globe and Mail and was included in Carte Blanche Vol 2 – Painting, a national survey of Canadian painters. Luke is an Associate Professor at OCAD University in Toronto.

Alex Bowron is a Toronto-based writer, researcher, and curator. Currently working freelance, she held previous positions as director for Galerie Nicolas Robert Toronto, programs and partnerships manager for the Canadian Art Foundation and assistant director at MKG127. Bowron holds an MA with honours in Critical Cultural Theory from the University of Leeds, UK (2013), a BFA with distinction in Sculpture/Installation from OCAD University (2012), and a BA in Religious Studies from the University of British Columbia (2004). ..

La pratique de Luke Painter explore un large éventail de sujets historiques et contemporains portant sur le motif, l’ornementation, la technologie et son histoire personnelle. Il crée des espaces atmosphériques et fictifs qui échantillonnent et réinventent délibérément ces sujets de manière surréaliste, humoristique et narrative. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions locales et internationales, notamment dans le cadre de Ways of Something au Whitney Museum of American Art, de Five Years of Contemporary Canadian Drawing à l’Art Gallery of Sudbury, de Personal Space à la galerie Patel Brown (Toronto), de Modern Wand à la Cambridge Galleries et de Teasers and the Tormentors au Centre CLARK (Montréal). Luke est lauréat de subventions du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de l’Ontario et du Conseil des arts de Toronto, et a été nommé pour le prix K.M. Prix ​​​​Hunter en arts visuels par le Conseil des arts de l’Ontario. Son travail est paru dans Canadian Art, Border Crossings, The Globe and Mail, carte blanche | vol. 2 – painting, une étude nationale sur les peintres canadiens. En outre, Luke est professeur agrégé à l’Université OCAD de Toronto.

Alex Bowron est une auteure, chercheuse et commissaire d’exposition établie à Toronto. Travaillant actuellement à la pige, elle a occupé les postes de directrice de la Galerie Nicolas Robert à Toronto, de responsable des programmes et des partenariats pour la Canadian Art Foundation, et de directrice adjointe à la galerie d’art MKG127. Bowron est titulaire d’une maîtrise avec distinction en théorie culturelle critique de l’Université de Leeds, au Royaume-Uni (2013), d’un baccalauréat en beaux-arts avec distinction en sculpture et en installation de l’OCAD (2012), ainsi que d’un baccalauréat en études religieuses de l’Université de la Colombie-Britannique (2004).

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