372 rue Ste-Catherine O, #410, MOntréal
Shary Boyle | Vesselling | ....29 Feb – 20 Apr, 2024.. 29 Fév – 20 APR 2024....
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Following a touring exhibition titled Outside the Palace of Me circulated by the Gardiner Museum in Toronto, the Montreal Museum of Fine Arts and the Museum of Arts and Design in New York, Vesselling is Shary Boyle’s first solo exhibition with Patel Brown. With a diverse array of new works that include wall pieces and sculptures, this exhibition invites the viewer into Boyle’s exploratory cosmos, one populated by figures seemingly pulled from a wonderfully strange dream.
The title for the show is informed by a linguistic relic from Middle English, that surfaced during a grief ritual training course that the artist attended. In the context in which Boyle encountered the term, its interpretation expands to a deeper, almost ceremonial meaning— it refers to the act of holding space for a vulnerable community, a safe and contained environment to share and reflect on complex or difficult realities. This term encapsulates the essence of Boyle’s artistic gesture, a transformative journey of morphing ideas and materials and an exploration into the everlasting hopefulness of play.
Vesselling tackles contradictions and states of transition, it explores the hybrid and fluid conditions of the self. It also confronts anxiety, whether its source is ecological, social, or political. Boyle’s particular tone of humour continues to remain a compelling and a disconcerting tool. The anguish that Boyle so aptly captures acts as a powerful teacher, testing physical, emotional, and political boundaries.
In her Grafters series Boyle experiments with spatial illusion, conjoining ceramic objects with painted surfaces. These new pieces, simultaneously paintings and sculptures, function within the logic of a double-performance. On one hand, the painted figures take cover behind the ceramic “masks,” disguised behind anthropomorphic proxies that act as alluring and peculiar theatrical props. On the other hand, as tridimensional objects, the ceramic pieces also turn the painting into a stage, a backdrop for their own restricted performance.
Play, whether through crafts or make-believe, is often conceived as a formative and educational ritual of childhood. As we grow into adulthood, play becomes confined, at times even inadequate, yet it does not mean we ever stop performing. For Boyle, the construction and presentation of the self is an uninterrupted spectacle in which we alternate between performers and the audience. In the exhibition, “dysfunctional” ceramic vessels serve as metaphors for human connection and receptacles for human values —contained forms that embody the complex processes of personal, and societal, relationships.
Her most recent works, Fire, Flood, and Peace, step back from the interior gaze and widen our sense of connection to the world itself. Created in a moment when environmental catastrophe feels as violent and complicit as the wars being waged around the globe, her attention and care for the fragility of detail become a metaphor for prayer.
It’s relatively rare to meet an artist whose craftmanship is as vast and versatile as Boyle’s. For the artist, her life and work are not separate: what she experiences in life is processed and articulated in the studio. In this way, her material range reflects a diversity of self within herself. It further indicates an approach to art making that transcends the intellectual to embrace the sensual. This polyamorous attraction to materials is certainly palpable in the exhibition. Boyle reminds us that the essence of making implies a physical interaction with materials, a tackling, handling, and smoothing that transform simple matter into ideas. This is how an emotional response is released from form, and how new things come into existence.
—Anaïs Castro
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Faisant suite à une exposition itinérante intitulée Outside the Palace of Me, diffusée au Gardiner Museum de Toronto, au Musée des beaux-arts de Montréal et au Museum of Arts and Design de New York, c’est au tour de Patel Brown de présenter les œuvres de Shary Boyle dans le cadre de Vesselling, sa toute première exposition solo à la galerie. Regroupant une myriade d’œuvres inédites, dont des pièces murales et des sculptures, cette exposition propose une incursion au cœur du cosmos exploratoire de Boyle, peuplé de personnages qui semblent tirés d’un songe fabuleux et étrange.
Le titre de l’exposition est inspiré d’une relique linguistique du moyen anglais, dont il a été question lors d’une formation portant sur les rituels de deuil à laquelle l’artiste a participé. Dans ce contexte, l’interprétation du terme prend un sens plus profond, quasi cérémonial. Il fait référence à l’acte de créer un espace sécuritaire et privé au sein duquel une communauté en situation de vulnérabilité peut échanger et réfléchir sur des réalités complexes ou sensibles. Ce terme renferme l’essence même du geste artistique de Boyle : un voyage transformateur semé d’idées et de matériaux en pleine métamorphose ainsi qu’une analyse de l’espoir perpétuel que nous offre le jeu.
Vesselling aborde les contradictions et les états liés à la transition, en plus de ratisser les conditions hybrides et fluides du soi. Elle s’intéresse également à l’anxiété, qu’elle soit de nature écologique, sociale ou politique. Boyle emploie un ton humoristique qui lui est propre, et qui demeure un outil persuasif et déconcertant. L’angoisse qu’elle représente si bien tient le rôle de pédagogue aguerri, testant les limites physiques, émotionnelles et politiques.
Dans sa série Grafters, Boyle expérimente l’illusion spatiale, associant des objets en céramique à des surfaces peintes. Ces nouvelles pièces, à la fois peintures et sculptures, s’inscrivent dans la logique d’une double performance. D’une part, les personnages peints se cachent derrière les « masques » en céramique, revêtant l’apparence de mandataires anthropomorphes qui agissent comme des accessoires théâtraux séduisants et singuliers. D’autre part, en tant qu’objets tridimensionnels, les pièces en céramique transforment le tableau en scène, telle une toile de fond pour leur performance circonscrite.
Le jeu, qu’il soit artisanal ou imaginaire, est souvent conçu dans une optique de rituel formateur et éducatif de l’enfance. Lors du passage à l’âge adulte, le jeu devient restreint, parfois même inapproprié, mais cela ne signifie pas pour autant que nous cessons de jouer. Selon Boyle, la construction et la présentation de soi constituent un spectacle ininterrompu dans lequel nous alternons entre les rôles d’interprète et de public. Dans Vesselling, des récipients en céramique « dysfonctionnels » servent à la fois de métaphores pour les liens humains et de réceptacles pour les valeurs humaines. Ces formes closes incarnent les proces- sus complexes des relations interpersonnelles et sociétales.
Fire, Flood et Peace, ses œuvres les plus récentes, s’éloignent du regard intérieur pour permettre au spectateur d’approfondir son sentiment de connexion avec le monde. Boyle a créé ces œuvres à un moment où la catastrophe environnementale semble aussi violente et menaçante que les guerres menées dans le monde entier. Ainsi, son attention et son souci de la fragilité des détails deviennent une analogie à la prière.
Il est relativement rare de rencontrer une artiste dont le savoir-faire est aussi vaste et polyvalent que celui de Boyle. Celle-ci affirme ne pas séparer sa vie de son œuvre : ce qu’elle expérimente au quotidien est traité et matérialisé en atelier. De cette manière, la gamme de supports qu’elle utilise reflète chez elle une diversité identitaire. Cela indique en outre une vision de la création artistique qui transcende l’intellectuel pour honorer le sensuel. L’attirance polyamoureuse de Boyle pour les matières est certes palpable dans cette exposition. Elle nous rappelle que l’essence de la création implique une interaction physique avec les matériaux; une approche, un contact et une caresse qui transforment une simple matière en idées. C’est ainsi qu’une réponse émotionnelle est libérée de la forme et que de nouvelles choses prennent vie.
Anaïs Castro (traduction par Marie-France Thibault)
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Shary Boyle lives and works in Toronto. She is the recipient of a 2021 Honorary Doctorate of Fine Arts from the Ontario College of Art and Design University where she graduated from in 1994, developing a multidisciplinary practice centred on drawing, sculpture and performance. Boyle’s work considers the social history of ceramic figures, animist mythologies and folk-art forms to create a symbolic, feminist and politically charged language uniquely her own.
Creating deeply imaginative, idiosyncratic, and unsettling worlds, Boyle was an early innovator of live-drawing techniques using overhead projectors referencing shadow puppetry and cell animation. Boyle activates her practice through collaboration and mentorship, engaging other creative communities and disciplines with a characteristically inclusive spirit. Boyle has received the Gershon Iskowitz and Hnatyshan Award and represented Canada at the Venice Biennial in 2013. Her solo touring exhibition Outside the Palace of Me was recently on display at the Museum of Arts and Design (MAD), New York, and will be completing its 6- museum tour at the MacKenzie Art Gallery, SK, from April through September, 2024.
Anaïs Castro is a curator and writer based in New York. She has curated exhibitions and projects in Canada, the United States, the United Kingdom, Germany, Switzerland, and China. She is one of the founding members of the curatorial collective The Department of Love, which presented projects in Shanghai, London and online. Castro has taken part in multiple residencies in Europe and North America and has been invited to speak at various institutions, including Parsons School of Art and Design (New York), The School of Visual Arts (New York) and la Galerie de l’UQAM (Montreal). She is an editorial member of Daily Lazy and publishes regularly with different publications. ..
Shary Boyle vit et travaille à Toronto. En 2021, elle a obtenu un doctorat honorifique en beaux-arts de l’Ontario College of Art and Design University, dont elle est diplômée depuis 1994 et où elle a développé une pratique multidisciplinaire centrée sur le dessin, la sculpture et la performance. Dans son travail, Boyle revisite l’histoire sociale de figurines en céramique, les mythes animistes et les différentes formes de l’art populaire pour articuler son propre langage symbolique, féministe et politique.
Créant des mondes profondément imaginatifs, idiosyncrasiques et troublants, Boyle a été l’une des premières à utiliser les techniques du dessin en direct à l’aide de rétroprojecteurs, faisant référence aux marionnettes à ombres chinoises et à l’animationcellulo. Dans sa pratique axée sur la collaboration et le mentorat, elle mobilise d’autres communautés et disciplines créatives dans un esprit typiquement inclusif. Elle est lauréate du Gershon Iskowitz and Hnatyshan Award, et a représenté le Canada à la Biennale de Venise en 2013. Son exposition itinérante solo Outside the Palace of Me a récemment été présentée au Museum of Arts and Design (MAD), à New York, et complétera sa tournée de six musées à la MacKenzie Art Gallery, en Saskatchewan, d’avril à septembre 2024.
Anaïs Castro est une commissaire d’exposition et auteure basée entre New York et Montréal. Au cours des dernières années, elle a été commissaire d’expositions et de projets au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Allemagne, en Suisse et en Chine. Elle est l’une des membres fondatrices du collectif curatorial The Department of Love, qui a présenté des projets à Shanghai, Londres et en ligne. Castro a participé à plusieurs résidences en Europe et en Amérique du Nord et a donné des conférences dans diverses institutions, dont Parsons School of Art and Design (New York), The School of Visual Arts (New York) et la Galerie de l’UQAM (Montréal). Elle est membre de la rédaction de Daily Lazy et collabore régulièrement avec différentes publications.
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