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....Summoning the Ineffable | February 27 – April 12, 2025 .. Invoquer l’ineffable | 27 Février – 12 Avril 2025....

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Braxton Garneau, Sukaina Kubba, Marigold Santos, Dominique Sirois, Sergio Suárez, and Swapnaa Tamhane.

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In Summoning the Ineffable, we are presented with a polyphonic expression of the stories that materials contain. All mediums are perpetually in relation to histories of production, consumption, extraction, and creation. Here, the artists explore the affective dimensions of materials that have been passed through hands and across generations, a reminder that small gestures accumulate into expansive possibility.

Sukaina Kubba’s material and cultural research practices are inextricably enmeshed, like sand in the fibres of a fishing net, or crumbs in the weave of a dining room rug. This symbolic rug, as well as literal Persian ones, are frequently referenced across her practice. Through their patterns, rugs tell stories of travel and trade, and in their entirety they contain histories of production, acquisition, displacement, and display. By studying and repeating the lines and colours woven in each piece, Kubba can absorb the different range of information stemming from these heirlooms. Inextricable links amass into familiar figures, vertical landscapes replete with flora and fauna, or more abstracted homages to the sensation of embodied memory and the immaterial experiences that exist on the edge of articulation. Using 3D filament to recreate rugs and their internal pattern, Kubba’s works flow between drawing and sculpture, open-ended and enclosed, holed and delineated.

Braxton Garneau’s works focus on expressing the essence of materials, effectively creating a conceptual bridge between the substances that construct our visible world and the choices, identities, and play that we use to fashion ourselves individually. Garneau works with a dizzying range of harvested and then hand-processed mediums, including asphalt, raffia, cotton, linen, sugarcane pulp, bones, and shells. In this way, this body of work speaks towards, and is actively produced by, the sticky, ebbing, and ineffable stuffs of the material world. These ‘stuffs’ are then transformed into self-adornment that plays with codes which flow between celebratory and protective, masquerade and armour. The represented figures are both visible and disguised, the result being that the viewer can only partially know, and therefore consume, their image. By utilizing the active potential of transformation and metamorphosis, Garneau’s works generate power to exist as fluid entities.

By virtue of their intrinsic reference to accounts, and encounters of the body, Marigold Santos’ works are experienced as a total somatic registration. With works like Banig 3, she elevates ubiquitous, handwoven mats into spaces for rest and healing for Filipinx people. In the terno armour series, the viewer is presented with traditional shoulder adornments, in which the original piña material is replaced by locally sourced cotton. Santos embroiders them with familiar flora and fauna from the Philippines, a subversive act of meditation and symbolic protection, like scattering seeds. A generative tension is struck as these sleeves allude directly to human busts, while simultaneously omitting one body in particular. And so, instead of functioning as an abyss, the adorned negative space becomes a lacuna for augmentation, adornment, and possibility. And, as in Santos’ tattoo practice, the works obey a logic of addition and subtraction, tradition and adaptation; a fluid identity embodied by displacement and grounding.

Although the point of origin is elsewhere, the notion of trans-continental fluidity also manifests in Dominique Sirois’s busts. These works function as explorations of how motifs are transmitted by the mechanics of artistic production and spiritual practices, through and against industrialized, globalized temporalities. Sirois intentionally commingles various references in her oxidized, coloured clay figures. As such, depending on the viewer’s angle, they can be read as mutations between Kishangarh inspired paintings, the interior of industrialized objects, the intricacies of a Gyan chaupar game, or a cubist, colonial appropriation of primitive art. While these fragmented bodies incarnate the wide range of Sirois’ personal interests and beliefs, the Fire Flowers directly speak to the art of working with clay. By referencing the shape of the cone used to monitor the kiln’s heat, which are then adorned with resilient fire lilies, Sirois once again invites us to consider the figurative and literal space that reified motifs occupy in our collective psyche.

Sergio Suárez’s woodcuts construct scenes that exist at the periphery of visibility — a space in which cosmic interconnectivity fuses with quotidian experiences of the ineffable. Suárez describes his woodblock printing practice as “composing in time”, and it is as if each work contains an internal mythology, to which the viewer is privy to a single moment in an unknown, prolonged chronology. Every scene feels temporally in flux, existing as stamps from an ambiguous epoch, amplified by the weaving of mixed iconographies like Mesoamerican cosmologies, catholic theological painting, contemporary telescopic observations, and western metaphysical philosophy, and Western metaphysical philosophy. These works contain an intricate balance of pressure and lightness, thematically with the omission of sunlight, and physically with the necessary force to make the marks in the wood for printing. Like a blurred mass passing beneath a streetlamp, these works exist in partial occlusion, resulting in certainty being supplanted by imagination.

Swapnaa Tamhane’s probing drawings, combined with extracts from text messages from a former lover, hold the viewer’s gaze directly. These drawings twist away from a documentarian impulse, or easy narrativization, as they appear alongside epistolary text. In the emphasized creases, roundness, and crevices, these sketches exceed the two-dimensionality of the page. In her careful practice of recording figures, vessels, and objects individually, Tamhane allocates space to historically anonymized Indian craftspeople. Their fingerprints in clay, stone, or bronze supersede the more obvious graphite marks of the drawings themselves. Juxtaposed alongside unedited text
messages, these sketches allude to the diaristic experience of making art. Their highly personal content contrasts with the anonymity of the artists who made the represented artifacts. The viewer is left with a sense that craftspeople exceeded their fixed position, or the psychological and historical containers that they’ve been placed in, just as the lover from Tamhane’s past arrived unexpectedly in the present tense.

If human positionalities are the product of social and historical determinism, so are our human forms the consolidation of sweeping and varied material: data, anecdotes, plastics, grit, dust, beads, rain. Materials tell tellurian stories of attention to earthly cycles, the advent of polymers, cosmological origin, and the human phenomenological experience of navigating these elements.

- Emily Zuberec and Roxanne Arsenault

Dans Invoquer l’ineffable, une expression polyphonique des récits inscrits dans les matériaux prend forme. Chaque médium est en relation perpétuelle avec des histoires de production, de consommation, d’extraction et de création. Ici, les artistes explorent les dimensions affectives des matériaux, lesquels ont été transmis de main en main et à travers les générations, nous rappelant que les gestes infimes s’accumulent en d’infinies possibilités.

Les pratiques de recherche matérielle et culturelle de Sukaina Kubba sont inextricablement enchevêtrées, à l’image du sable incrusté dans les fibres d’un filet de pêche ou des miettes logées dans le tissage d’un tapis de salle à manger. Ce tapis symbolique, tout comme les véritables tapis persans, est une référence récurrente dans son travail. Par leurs motifs, les tapis relatent des histoires de voyage et de commerce, tandis que, dans leur essence même, ils témoignent des récits de production, d’acquisition, de déplacement et de présentation. En étudiant et en répétant les lignes et les couleurs tissées dans chaque pièce, Kubba absorbe l’éventail d’informations émanant de ces objets patrimoniaux. Des liens indissociables s’agrègent en figures familières, des paysages verticaux foisonnent de flore et de faune, ou des hommages plus abstraits sont rendus aux sensations de mémoire incarnée et aux expériences immatérielles qui existent aux marges de l’articulation. Créées à l’aide de filaments 3D pour recréer les tapis et leurs motifs internes, les œuvres de Kubba oscillent entre dessin et sculpture, entre l’indéfini et l’encapsulé, entre l’ajouré et le délimité.

Les œuvres de Braxton Garneau s’emploient à exprimer l’essence des matériaux, érigeant ainsi un pont conceptuel entre les substances qui structurent notre monde visible et les choix, identités et jeux à travers lesquels nous nous façonnons individuellement. Garneau travaille avec une gamme vertigineuse de matières récoltées puis transformées à la main, incluant l’asphalte, le raphia, le coton, le lin, la pulpe de canne à sucre, les os et les coquillages. Ainsi, ce corpus d’œuvres dialogue avec – et est activement produit par – la substance visqueuse, fluctuante et ineffable du monde matériel. Ces éléments sont ensuite transformés en parures personnelles jouant avec des codes qui alternent entre le célébratoire et le protecteur, entre la mascarade et l’armure. Les figures représentées apparaissent à la fois visibles et dissimulées, si bien que le public ne peut jamais totalement appréhender leur image, ni donc la consommer pleinement. En mobilisant le potentiel actif de la transformation et de la métamorphose, les œuvres de Garneau génèrent une puissance permettant d’exister en tant qu’entités fluides.

En vertu de leur référence intrinsèque aux récits et aux expériences du corps, les œuvres de Marigold Santos sont perçues dans un registre complètement somatique. Avec Banig 3, elle élève les humbles tapis tissés à la main en les transformant en symboles d’espaces de repos et de guérison pour les communautés philippines. Dans sa série terno armour, elle présente des broderies d’épaule traditionnelles où la fibre de piña originelle est remplacée par du coton local. Santos les brode de motifs floraux et fauniques propres aux Philippines, un acte subversif et symbolique qui tient à la fois de la méditation et de la protection, à l’instar de la dispersion de semences. Alors, au lieu de fonctionner comme un abysse, cet espace négatif ornementé devient un potentiel d’amplification, d’ornementation et de possibilité. Enfin, comme dans sa pratique du tatouage, les œuvres de Santos obéissent à une logique d’addition et de soustraction, de tradition et d’adaptation, révélant une identité fluide, ancrée dans le déplacement et l’enracinement.

Bien que son point d’origine se situe ailleurs, la notion de fluidité transcontinentale transparaît aussi dans les bustes de Dominique Sirois. Ces œuvres interrogent la manière dont les motifs se transmettent à travers les mécanismes de production artistique et les pratiques spirituelles, en résonance ou en opposition avec les temporalités industrialisées et mondialisées. Sirois fusionne intentionnellement diverses références dans ses figures d’argile de couleur oxydée. Par conséquent, selon l’angle sous lequel on les observe, elles peuvent apparaître comme des mutations entre des peintures inspirées de Kishangarh, l’intérieur d’objets industrialisés, les complexités du jeu Gyan chaupar, ou encore, une appropriation cubiste et coloniale de l’art primitif. Si ces corps fragmentés incarnent la diversité des intérêts et croyances de l’artiste, Fire Flowers renvoie directement à l’art de la céramique. En reprenant la forme du cône utilisé pour surveiller la température des fours, lesquels sont ensuite ornés de résilients lys de feu, Sirois nous invite une fois de plus à considérer l’espace, tout aussi figuratif que littéral, qu’occupent les motifs réifiés dans notre psyché collective.

Les gravures sur bois de Sergio Suárez construisent des scènes existant à la lisière de la visibilité – un espace où l’interconnectivité cosmique fusionne avec les expériences quotidiennes de l’inexprimable. Suárez décrit sa pratique de l’estampe sur bois comme une forme de « composition s’élaborant dans le temps », et chaque œuvre semble contenir une mythologie interne, dont le public ne perçoit qu’un seul instant au sein d’une chronologie prolongée et inconnue. Chaque scène semble flotter temporellement, existant comme les vestiges d’une époque ambiguë. Cette impression est amplifiée par l’entrelacement d’iconographies mixtes, dont les cosmologies méso-américaines, la peinture théologique catholique, les observations télescopiques contemporaines et la philosophie métaphysique occidentale. Ces œuvres instaurent un équilibre subtil entre pression et légèreté – thématiquement, par l’omission de la lumière du soleil, et physiquement, par la force nécessaire pour marquer le bois à des fins d’impression. À l’image d’une masse floue passant sous un réverbère la nuit, elles existent dans un état d’occlusion partielle, où la certitude cède la place à l’imagination.

Les dessins exploratoires de Swapnaa Tamhane, combinés à des extraits de textos d’un ancien amant, captent directement le regard du public. En apparaissant aux côtés de textes épistolaires, ces dessins s’éloignent d’une impulsion documentariste ou d’une narrativisation explicite. Dans l’accentuation des plis, des rondeurs et des creux, ces esquisses excèdent la bidimensionnalité de la page. Par sa pratique méticuleuse de l’enregistrement des figures, des récipients et des objets isolés, Tamhane accorde un espace aux artisan·es indien·nes historiquement anonymisé·es. Leurs empreintes laissées sur l’argile, la pierre ou le bronze prennent le pas sur les marques du graphite des dessins eux-mêmes. Juxtaposés à des textos non retouchés, ces croquis font écho à l’expérience diaristique de la création artistique. Leur contenu profondément personnel contraste avec l’anonymat des artisan·es qui ont créé les artefacts présentés. Le public a alors l’impression que les artisan·es ont dépassé leur position assignée, ou les cadres psychologiques et historiques dans lesquels ils·elles avaient été confiné·es, tout comme l’amant du passé de Tamhane surgit inopinément dans le présent.

Si les positionnalités humaines sont le produit d’un déterminisme social et historique, nos formes elles-mêmes résultent de l’agrégation de matières multiples et disparates : données, anecdotes, plastiques, grains, poussières, perles, pluie. Les matériaux portent en eux des récits telluriques de l’attention portée aux cycles terrestres, l’avènement des polymères, les origines cosmologiques et l’expérience phénoménologique humaine naviguant parmi ces éléments.

- Emily Zuberec et Roxanne Arsenault (traduction par Marie-France Thibault)

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Braxton Garneau is a visual artist based in amiskwaciwâskahikan (Edmonton, Canada). He holds a BFA from the University of Alberta and has had solo exhibitions at the Art Gallery of Alberta, Edmonton (2024), Efraín López, New York (2024), GAVLAK, Los Angeles (2023) and Stride Gallery, Calgary (2021). His work was featured in the retrospective exhibition Black Every Day at the Art Gallery of Alberta (2021), It’s About Time: Dancing Black in Canada 1900 - 1970 and Now at Mitchell Art Gallery, Edmonton (2020), and New Direction at Château Cîroc, Miami, Florida (2021). In 2024, his work was Pitch Lake (Pietà) acquired by the Museum of Contemporary Art San Diego through the Northern Trust Purchase Prize at EXPO Chicago, and he was awarded the Lieutenant Governor of Alberta Emerging Artist Award. From March-June 2025, he will be in residency at the International Studio & Curatorial Program (ISCP), Brooklyn, NY.

Sukaina Kubba is an Iraqi-born Toronto-based multi-disciplinary artist whose work is rooted in material and cultural research, material experimentation, storytelling and drawing connections. Kubba’s work has been included in Toronto at Patel Brown (2024), Greater Toronto Art Triennial at MOCA (2024), Mercer Union SPACE Billboard Commission (2023-24), the plumb (2023), The Next Contemporary (2023), Art Gallery of Ontario (2019), Aga Khan Museum (2017); and in Scotland at Dundee Contemporary Arts (2024), Centre for Contemporary Art, Glasgow (2016), Glasgow International (2016 and 2014) and Kendall Koppe, Glasgow (2013). She has upcoming exhibitions at Western Exhibitions, Chicago (Apr 2025) and Carleton University Art Gallery, Ottawa (Jan 2026). Kubba has recently completed residencies at the International Studio and Curatorial Program, New York and La Wayaka Current, Chile. She is a sessional lecturer in Visual Studies at the University of Toronto, and was previously a curator and lecturer at The Glasgow School of Art (2013–2018).

Marigold Santos was born in the Philippines, and immigrated with her family to Canada in 1988. She pursues an inter-disciplinary art practice that examines diasporic lived experience and storytelling, presented within the otherworldly. She holds a BFA from the University of Calgary, and an MFA from Concordia University. As a recipient of grants from the Canada Council for the Arts, the Alberta Foundation for the Arts, and the Conseil des Arts et des Lettres du Québec, she continues to exhibit widely across Canada. Her recent solo exhibitions include SURFACE TETHER at the Art Gallery of Alberta (2019) MALAGINTO at Montréal, Arts Interculturels (MAI) and the Dunlop Art Gallery in Regina (2019), the pace and rhythm of time, floating at The Southern Alberta Art Gallery (SAAG) and Patel Brown, Toronto (2023). In 2023, she was longlisted for the Sobey Art Award. Santos maintains an active studio practice and resides in Treaty 7 Territory, in Mohkinstsis/Calgary.

Originally from Tiohtiàke/Mooniyang/Montréal, artist and educator Dominique Sirois holds a master’s degree (2010) and a doctorate (2022) in visual arts from the Université du Québec à Montréal (UQAM). Sirois’ work has been shown in several artist-run centers across Canada, including Latitude 53 (Edmonton), CLARK and Diagonale (Montréal), AXENÉO7 (Gatineau) and L’Œil de Poisson (Québec City). She has also exhibited in several private galleries in Montréal: Bradley-Ertaskiran, Blouin-Division, Pangée and Patel Brown, with whom she collaborates. She has completed numerous residencies outside Québec, including in Glasgow (Scotland), Paris (France), Barcelona (Spain) and Banff (Canada). Sirois has presented her work in group and collaborative exhibitions at the Ludwig Museum in Budapest (Hungary), the Commun in Geneva (Switzerland), the PHI Foundation and the Galerie de l’UQAM in Montréal. Her work has been supported by the Canada Council for the Arts (CCA), the Conseil des arts et des lettres du Québec (CAC) and the Fonds de recherche du Québec - Société et culture (FRQSC).

Sergio Suárez is a Mexican-born, Atlanta-based visual artist and printmaker. Currently on view exhibitions are Situar la Orilla del Cosmos at Casa Wabi Sabino in CDMX. Recent solo exhibitions took place at Pale Fire Projects, British Comlumbia; KDR, Miami Florida; Stove Works, Tennesse; THE END Project Space Atlanta & Whitespace Gallery, Georgia. His work has been included in the Haugesund International Relief Festival in Norway and the Woolwich Print Fair in London. He attended the Skowhegan School of Painting and Sculpture in 2023 and has held residencies at The Bemis Center in Nebraska; The Penland School of Craft, North Carolina; Stove Works, Tennesse & The Hambidge Center, Georgia. He is a 2024-2025 MoCA GA Working Artist Project Fellow with a 2025 forthcoming solo exhibition in June at MoCA GA, Atlanta. He is the director of Eso Tilin Projects, and was part of the Studio Artist Program at Atlanta Contemporary from 2021-2023. He lives and works in Atlanta.

Swapnaa Tamhane’s art practice is dedicated to drawing, making handmade paper, and working with the material histories of cotton and jute, while her curatorial interests explore feminist histories in India. She has an MFA in Fibres & Material Practices, Concordia University, Montreal. Residencies have been held at Bemis Centre for Contemporary Art, 2024, and Museum der Moderne Salzburg, Austria, and she was a participant at March Meeting, Sharjah, UAE, in 2010. In 2019, she was a juror for the Sobey Art Award, Canada, and was most recently on the board of SAVAC, Toronto. Her research extends to material culture, and with designer Rashmi Varma, she wrote SĀR: The Essence of Indian Design, Phaidon Press (2016). She has exhibited her work at Green Art Gallery, Dubai; Nature Morte, Delhi; articule, Montreal; Sculpture Park Jaipur; A Space, Toronto; and Victoria & Albert Museum, Dundee, Scotland, with solo exhibitions at Royal Ontario Museum, Toronto, and Surrey Art Gallery, British Columbia.

Braxton Garneau est un artiste visuel basé à amiskwaciwâskahikan (Edmonton, Canada). Il est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de l’Alberta et a présenté des expositions individuelles à l’Art Gallery of Alberta, Edmonton (2024), Efraín López, New York (2024), GAVLAK, Los Angeles (2023) et Stride Gallery, Calgary (2021). Son travail a été présenté dans l’exposition rétrospective Black Every Day à l’Art Gallery of Alberta (2021), It’s About Time : Dancing Black in Canada 1900 - 1970 and Now à la Mitchell Art Gallery, Edmonton (2020) et New Direction au Château Cîroc, Miami, Floride (2021). En 2024, son œuvre Pitch Lake (Pietà) est acquise par le Museum of Contemporary Art San Diego grâce au prix d’achat Northern Trust à l’EXPO Chicago, et il reçoit le prix de l’artiste émergent du lieutenant-gouverneur de l’Alberta. De mars à juin 2025, il sera en résidence à l’International Studio & Curatorial Program (ISCP), à Brooklyn, NY.

Sukaina Kubba est une artiste multidisciplinaire née en Irak et basée à Toronto, dont le travail est ancré dans la recherche matérielle et culturelle, l’expérimentation matérielle, la narration et le dessin de connexions. Le travail de Kubba a été inclus à Toronto à Patel Brown (2024), Greater Toronto Art Triennial at MOCA (2024), Mercer Union SPACE Billboard Commission (2023-24), the plumb (2023), The Next Contemporary (2023), Musée des beaux-arts de l’Ontario (2019), Aga Khan Museum (2017) ; et en Écosse à Dundee Contemporary Arts (2024), au Centre for Contemporary Art, Glasgow (2016), à Glasgow International (2016 et 2014) et à Kendall Koppe, Glasgow (2013). Elle exposera prochainement à Western Exhibitions, Chicago (avril 2025) et à la Carleton University Art Gallery, Ottawa (janvier 2026). Kubba a récemment effectué des résidences à l’International Studio and Curatorial Program, à New York, et à La Wayaka Current, au Chili. Elle est chargée de cours à temps partiel en études visuelles à l’Université de Toronto et a été précédemment conservatrice et chargée de cours à la Glasgow School of Art (2013-2018).

Marigold Santos est née aux Philippines et a immigré au Canada avec sa famille en 1988. Elle poursuit une pratique artistique interdisciplinaire explorant son expérience diasporique et son récit, présentés dans un monde à part. Elle est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université de Calgary et d’une maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia. Récipiendaire de bourses du Conseil des arts du Canada, de l’Alberta Foundation for the Arts et du Conseil des arts et des lettres du Québec, elle continue d’exposer partout au Canada. Parmi ses récentes expositions solos, mentionnons SURFACE TETHER à l’Art Gallery of Alberta (2019), MALAGINTO à Montréal, Arts interculturels (MAI) et à la Dunlop Art Gallery de Regina (2019), the pace and rhythm of time, floating à la Southern Alberta Art Gallery (SAAG) et Patel Brown, Toronto (2023). En 2023, elle a été sélectionnée pour le Sobey Art Award. Santos maintient une pratique active en studio et réside dans le territoire du Traité 7, à Mohkinstsis/Calgary.

Originaire de Tiohtiàke/Mooniyang/Montréal, l’artiste et enseignante Dominique Sirois détient une maîtrise (2010) et un doctorat (2022) en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal (UQAM). Les œuvres de Sirois ont été diffusées dans plusieurs centres d’artistes au Canada dont à Latitude 53 (Edmonton), à CLARK et Diagonale (Montréal), AXENÉO7 (Gatineau) ainsi qu’à l’Œil de Poisson (Québec). Elle a également exposé dans plusieurs galeries privées montréalaises : Bradley-Ertaskiran, Blouin-Division, Pangée et Patel-Brown avec qui elle collabore. Elle a effectué maintes résidences hors du Québec, dont à Glasgow (Écosse), à Paris (France), à Barcelone (Espagne) et à Banff (Canada). Lors d’expositions de groupe ou de collaboration, Sirois a présenté son travail au Musée Ludwig de Budapest (Hongrie), au Commun à Genève (Suisse), à la Fondation PHI et la Galerie de l’UQAM à Montréal. Son travail a fait l’objet d’un appui du Conseil des arts du Canada (CAC), du Conseil des arts et des lettres du Québec (CAC) et du Fonds de recherche du Québec — Société et culture (FRQSC).

Sergio Suárez est un artiste visuel et graveursur bois né au Mexique et basé à Atlanta. Il présente actuellement Situar la Orilla del Cosmos à la Casa Wabi Sabino à CDMX. Des expositions individuelles récentes ont eu lieu à Pale Fire Projects, Colombie-Britannique ; KDR, Floride ; Stove Works, Tennesse ; THE END Project Space Atlanta & Whitespace Gallery, Géorgie. Son travail a été présenté au Haugesund International Relief Festival en Norvège et à la Woolwich Print Fair à Londres. Il a étudié à la Skowhegan School of Painting and Sculpture en 2023 et a effectué des résidences au Bemis Center au Nebraska, à la Penland School of Craft en Caroline du Nord, à Stove Works au Tennesse et au Hambidge Center en Géorgie. Il est boursier 2024-2025 du MoCA GA Working Artist Project Fellow, avec une exposition solo à venir en juin 2025 au MoCA GA, Atlanta. Il est le directeur d’Eso Tilin Projects et a fait partie du Studio Artist Program à Atlanta Contemporary de 2021 à 2023. Il vit et travaille à Atlanta.

La pratique artistique de Swapnaa Tamhane est consacrée au dessin, à la fabrication de papier fait main et au travail sur l’histoire matérielle du coton et du jute, tandis que ses intérêts curatoriaux explorent l’histoire féministe de l’Inde. Elle est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts en fibres et pratiques matérielles de l’Université Concordia, à Montréal. Elle a effectué des résidences au Bemis Centre for Contemporary Art, en 2024, et au Museum der Moderne Salzburg, en Autriche, et a participé à March Meeting, à Sharjah, aux Émirats arabes unis, en 2010. En 2019, elle a été membre du jury du Sobey Art Award, Canada, et a récemment siégé au conseil d’administration de SAVAC, Toronto. Ses recherches s’étendent à la culture matérielle et, avec le designer Rashmi Varma, elle a écrit SĀR : The Essence of Indian Design, Phaidon Press (2016). Elle a présenté son travail à la Green Art Gallery, à Dubaï, à Nature Morte, à Delhi, à articule, à Montréal, au Sculpture Park Jaipur, à A Space, à Toronto, ainsi qu’au Victoria & Albert Museum, à Dundee, en Écosse, et a eu des expositions individuelles au Royal Ontario Museum, à Toronto, et à la Surrey Art Gallery, en Colombie-Britannique.

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